Zu sehen sind seine frühesten Bilder und ersten künstlerischen Versuche, sich als Künstler zu finden: das Spiel mit verschiedenen Stilen der Avantgarde – mit Expressionismus, Futurismus, der Kunst von Marc Chagall und Giorgio de Chirico – sowie die provokanten Collagen und Übermalungen seiner Dada-Zeit.

Als Künstler ist Max Ernst Autodidakt, doch weiß er, dass er der naturnachahmenden Kunst seines Vaters, der Sonntagsmaler ist, etwas anderes entgegensetzen muss. Er sucht nach neuen Betrachtungsweisen, abseits des Gewohnten. An die Stelle der Nachahmung des Sichtbaren tritt bei ihm die Vision als Ausdruck des Nicht-Sichtbaren, des Nicht-Offensichtlichen.
1919 gründet Max Ernst die Kölner Dada-Gruppe als Angriff auf den „gesunden Menschenverstand“ und eine Gesellschaft, die den Ersten Weltkrieg herbeigeführt hat. 1922 schließt er sich den Pariser Surrealisten an. In dieser Zeit entstehen seine ersten surrealistischen Bilder mit sehr persönlichen Inhalten und dem expliziten Einsatz Freud‘scher Traumsymbolik.

Als Surrealist bezieht Max Ernst den Zufall in seinen Schaffensprozess mit ein. Was er in der äußeren Welt sieht lässt ihn Verborgenes in seinem Unterbewusstsein entdecken, nach dem Motto:
“Dort wo der Mensch die Geheimnisse der Natur zu überraschen hofft,
findet er nur sein eigenes, vom Spiegel zurückgeworfenes Bild.
Bevor er hinabsteigt, weiß ein Taucher nie was er zurückbringen wird.” (Max Ernst)

Max Ernst erweitert die Kunstauffassung des Surrealismus und entwickelt halbautomatische künstlerische Verfahren, die ihm erlauben, die durch Zufall provozierten Bilder nachträglich zu bearbeiten. In seinem mehr als sechzigjährigen Schaffen entdeckt er immer neue Methoden dieser indirekten Bilderzeugung.

1925 entdeckt Max Ernst die Frottage und die Grattage (die Durchreibe- und Abkratztechnik).

Er malt seine „großen Themen“ – Horden, Vögel und Wälder als Sinnbilder existentieller Fragen.

Es ist kaum vorstellbar, dass es sich hierbei lediglich um einen Teil des ursprünglich über 100 Meter langen Triumphzugs handelt, denn die ersten 48 Blätter des einst 109-teiligen Zyklus sind im Original verloren und nur mehr durch Kopien überliefert. Es handelt sich freilich nicht um das Abbild eines realen Festzuges, denn dieser Triumphzug hat in Wirklichkeit nie stattgefunden, sondern wird nur im Bild realisiert: Eine imaginäre Parade der wichtigsten Personen und Ereignisse aus dem Leben des Kaisers, zu Maximilians „lob und ewiger gedechtnus“, also mit dem Ziel, den Kaiser zu verherrlichen und die Erinnerung an seine Taten für die Ewigkeit zu bewahren. Mit dem prächtigen gemalten Festzug ziehen die Lebensgeschichte und der Lebenstraum des Kaisers im wahrsten Sinne des Wortes an uns vorüber. Zweifellos war dieses Werk eine kostbare Prunkausgabe für den persönlichen Besitz des Kaisers, während übrigens eine spätere Holzschnittfassung für seine Reproduktion und weitere Verbreitung sorgte. Ausgeführt wurde der gemalte Triumphzug von Albrecht Altdorfer (um 1480–1538) und seiner Werkstatt in Regensburg. Mit Altdorfer beauftragte Maximilian im Jahr 1512 den neben Dürer bedeutendsten Künstler seiner Zeit – wir kennen ihn heute als Hauptvertreter der „Donauschule“, der Landschaftsmalerei am Beginn des 16. Jahrhunderts, die der Darstellung von Natur und Landschaft neuen Stellenwert verliehen hat. Aufgrund der Empfindlichkeit der Pergamente war der Triumphzug bislang nur zweimal ausgestellt, 1938 und 1959, jeweils als gerahmte Einzelblätter. Es ist also ein wahrer Schatz aus den Beständen der Albertina, der hier gehoben werden konnte, und es ist uns daher eine besondere Freude, dieses Werk nach 50 Jahren und 500 Jahre nach seiner Entstehung erstmals als Bildfries präsentieren zu können. Wenn wir damit heute noch zu staunenden Zuschauern von Maximilians Festzug werden, so ist dies der späte Triumph des Kaisers, der durch die Kunst unsterblich wurde.

Eine weiter gefasste Einstimmung auf den Surrealismus und Max Ernst gibt Hans Richters Experimentalfilm Dreams that money can buy (1944-47). Der Film wurde von Kenneth Macpherson und Peggy Guggenheim produziert, mit der Max Ernst von 1941-43 verheiratet war. Von 1941 bis 1953 lebte Max Ernst wie viele seiner ehemaligen surrealistischen Freunde im amerikanischen Exil. Künstler wie Man Ray, Marcel Duchamp, Fernand Léger, Alexander Calder André Breton versuchten in New York Fuß zu fassen und setzten ihre surrealistisch-avantgardistischen Projekte fort. Das Medium Film spielte dabei, wie bereits in Paris Ende der 1920er-Jahre (Un chien andalou und 1929, L’âge d’or, 1930 von Luis Buñuel und Salvador Dalí), eine wichtige Rolle. Die Auseinandersetzung der Surrealisten mit dem Irrationalen, mit Traum und dem Unbewussten und Unterbewussten lässt sich im Film und mit seinen technischen Möglichkeit ausgezeichnet verbinden.

Für Dreams that Money can buy versammelten sich eine Reihe – im weiteren Sinne – surrealistischer Künstler: Max Ernst, Marcel Duchamp, Man Ray, Alexander Calder und Fernand Léger. John Cage und Darius Milhaud zeichnen unter anderem für die Musik verantwortlich.

Der Film besteht aus sieben nicht zusammenhängenden Traumsequenzen, für welche die verschiedenen Künstler das Drehbuch und oder die Musik schrieben und teilweise, wie im Fall der ersten Sequenz Desire von Max Ernst, auch selbst als Protagonisten auftreten.

Joe Narcissus entdeckt die Fähigkeit, seine eigenen Gedanken als Visionen sehen zu können. Er wendet diese Methode auf andere an und verkauft einer Reihe frustrierter Menschen ihre eigenen Träume. Der Bezug zum Surrealismus und vor allem auch zu Max Ernst …: die Innenschau und das Hervorkehren des Unterbewussten – auch Max Ernst behauptete von sich und für seine Kunst, mit dem „inneren Auge“ zu sehen.

Markus Hofer

Die Architektur der Albertina und ihre vielen baulichen Veränderungen seit der Errichtung des ursprünglichen Stadtpalais bis heute, die Geschichte seiner ehemaligen Bewohner, aber auch die Geschichte der Sammlung sowie die Sammlungsbestände selbst, bieten reichlich Spielraum für diese Form der Auseinandersetzung und eine zeitgenössische Interpretation.

Markus Hofer, der vorrangig im skulpturalen Bereich arbeitet, ist der erste Künstler, der mit Interventionen in der Albertina zu sehen ist. Für seine Objekte bearbeitet er vorhandenes Material und bezieht vertraute Gegenstände mit ein. Dabei bewegt sich der Künstler bewusst an der Grenze zwischen Alltagsgegenstand und Kunstobjekt. Seine Werke irritieren und sind oftmals erst bei genauerer Betrachtung als künstlerische Eingriffe zu erkennen. Markus Hofers Arbeiten sind ironische Reaktionen auf die räumlichen Situationen und Gegebenheiten, zugleich jedoch dekonstruierende Eingriffe in die Substanz, mit denen er den Blick auf das Verborgene und Unentdeckte des Museums lenkt und das oberflächlich Sichtbare hinterfragt.

Bildcredit

Es wäre jedoch ein Fehler, Coplans Fotos nur im Hinblick auf sein Motiv bzw. den Körper zu betrachten. So basiert seine Bildsprache auf einer äußerst durchdachten Inszenierung. Mit Hilfe einer Polaroid-Fachkamera fragmentierte er seinen Körper in visuelle Einzelteile, die er neu (re)kombinierte. Durch oftmals radikale Nahansichten und leichte Perspektivverschiebungen von Bild zu Bild verfremdete er seinen Körper – eine Aufnahmestrategie, die den Errungenschaften der Konzeptfotografie geschuldet ist. Der Einsatz scheinbar unlogischer Perspektiven und die Abstraktion von Motiven im Bild war hierbei ein künstlerisches Verfahren, mit dem der Wirklichkeitsglaube, den speziell die Fotografie mit sich bringt, hinterfragt wurde.

Die Kombination neuer Körpermotive mit konzeptuellen Überlegungen zu Bildwirklichkeiten der Fotografie macht Coplans Fotografien besonders. Nicht nur zeugen seine Fotos von einem Körperbild, dessen Normativität längst brüchig geworden ist, sondern auch von einem Verständnis, das den Körper als mangelhaft, verletzbar und nicht zuletzt vergänglich ansah.